The last supper:
Pintura mural (fresco) realizada entre 1495 e 1497 no refectorio da Igrexa de Santa Maria delle Grazie (Milán).
Pertence ao renacemento italiano, un estilo, que abarca o quattrocento (século XIV) e o cinquecento (principios do XVI), no que destacan as innovacións no campo da perspectiva (os artistas son capaces de recrear a sensación de profundidade) e a inspiración na antigüidade clásica (antropocentrismo, proporcións, beleza, equilibrio).
Birth of Venus:
El Nacimiento de Venus es una de las obras más famosas de Botticelli. Fue pintada en 1485 para un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo.
El tema mitológico era habitual en estos emplazamientos campestres.
El momento que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento.
Técnicamente, Botticelli ha conseguido una figura magnífica aunque el modelado es algo duro, reforzando los contornos con una línea oscura, como si se tratara de una estatua clásica. De esta manera, el artista toma como referencia la Antigüedad a la hora de realizar sus trabajos. Los ropajes se pegan a los cuerpos, destacando todos y cada uno de los pliegues y los detalles. El resultado es sensacional pero las pinturas de Botticelli parecen algo frías e incluso primitivas.
Anatomic Lesson of Dr. Nicholas Tulp:
Obra de Rembrandt en 1632.
Se trata en primer lugar de un retrato de grupo o retrato colectivo, muy frecuente en los Países Bajos, y de los que Rembrandt realizó varios. En este caso dispone a los retratados, ninguno de los cuales era cirujano, en una estructura piramidal, pero agrupados estrechamente en torno al maestro cirujano, consiguiendo de esta forma un gran efecto de unidad entre todos ellos.
Por lo demás la obra de Rembrandt destaca por una serie de características, algunas de las cuales coinciden con las mismas que hemos visto en Caravaggio, no sólo porque se trata de una pintura del mismo estilo barroco, sino porque la influencia de Caravaggio alcanzó a todos los grandes pintores de este periodo.
Balsa de la medusa.
Raft of Medusa:
Este cuadro "Balsa de la Medusa (1818), que se encuentra en el Museo Nacional del Louvre, se basa en un suceso real, el hundimiento del barco francés Medusa a causa de la negligencia de su capitán, vinculado al gobierno conservador, tardando los náufragos varios días en ser rescatados.
El pintor seleccionó un acontecimiento relevante que pudiera generar interés en el público para atraer visitantes y le ayudara a lanzar su carrera como pintor.
El estilo del cuadro es el Romanticismo, mantiene elementos de las tradiciones de la pintura histótica, tanto la elección del tema de la pintura como su dramática presentación representan una ruptura con respecto a la calma y orden de la escuela neoclasicista entonces prevalente. El trabajo de Géricault atrajo la atención casi de inmediato a partir de su primera muestra y en la subsiguiente exhibición en Londres.
Obra de Rembrandt en 1632.
Se trata en primer lugar de un retrato de grupo o retrato colectivo, muy frecuente en los Países Bajos, y de los que Rembrandt realizó varios. En este caso dispone a los retratados, ninguno de los cuales era cirujano, en una estructura piramidal, pero agrupados estrechamente en torno al maestro cirujano, consiguiendo de esta forma un gran efecto de unidad entre todos ellos.
Por lo demás la obra de Rembrandt destaca por una serie de características, algunas de las cuales coinciden con las mismas que hemos visto en Caravaggio, no sólo porque se trata de una pintura del mismo estilo barroco, sino porque la influencia de Caravaggio alcanzó a todos los grandes pintores de este periodo.
Raft of Medusa:
El pintor seleccionó un acontecimiento relevante que pudiera generar interés en el público para atraer visitantes y le ayudara a lanzar su carrera como pintor.
El estilo del cuadro es el Romanticismo, mantiene elementos de las tradiciones de la pintura histótica, tanto la elección del tema de la pintura como su dramática presentación representan una ruptura con respecto a la calma y orden de la escuela neoclasicista entonces prevalente. El trabajo de Géricault atrajo la atención casi de inmediato a partir de su primera muestra y en la subsiguiente exhibición en Londres.
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La muerte de Marat.
Death of Marat:
El colorido del cuadro viene marcado por los tonos fríos, planos y austeros: grises, marrones y verdes, con los que el artista llena la escena a pesar de la sencillez que quiere demostrarnos. El fuerte claroscuro procede del trabajo de luces desde una fuente lateral que incide sobre su piel, dando la gravedad y solemnidad que pretende para el ilustre difunto.
La intención del David es evidente, la representación de Marat está idealizada y nada tiene que ver con la realidad. El escritor sufría un grave problema de piel que no aparece en su bello cuerpo desnudo y nos lo presenta como un joven que parece dormido sin rastro de una muerte violenta ni agonía. La herida en su pecho queda oculta por las sombras y sólo hay referencia a su asesinato en el pequeño puñal ensangrentado que podemos ver en el suelo.
La intención del David es evidente, la representación de Marat está idealizada y nada tiene que ver con la realidad. El escritor sufría un grave problema de piel que no aparece en su bello cuerpo desnudo y nos lo presenta como un joven que parece dormido sin rastro de una muerte violenta ni agonía. La herida en su pecho queda oculta por las sombras y sólo hay referencia a su asesinato en el pequeño puñal ensangrentado que podemos ver en el suelo.
La creación de Adán
Creation of Adam:
Es un fresco en el techo de la Capilla Sixtina, pintado por Miguel Ángel alrededor del año 1511. Ilustra el episodio bíblico del Génesis en el cual Dios le da vida a Adán, el primer hombre (según la tradición bíblica). Cronológicamente es el cuarto de los paneles que representan episodios del Génesis en el techo de la capilla, fue de los últimos en ser completados y es una de las obras de arte más apreciadas y reconocidas en el mundo.
